空気、あるいは気配というのだろうか
この世界の纏っている、ほとんど質量をもたない柔らかな皮膜には
確かにこの世界を構成する要素が
何か見たこともないカタチで表象することを待つでもなく漂っている
それをこの人は感じるのだろう
空(ku)に目を凝らしているようで
ただそこに身を置き、委ねる
そして表象する準備のできた微細なエッセンスのみを
手繰り寄せ 掬いとる
彼の感性を介して
この世に新たなカタチとして表出するものたちを
わたしたちはただ目の当たりにする
— デザインとアートを横断しつつも宇平さんのクリエイションからは一貫して「ミニマル」という印象を受けます
元々大学ではタイポグラフィやエディトリアルデザインの領域が専攻でしたが、当時からエミール・ルーダーやヨゼフ・ミューラー=ブロックマンなどの装飾性を排したミニマルな仕事に惹かれていました。在学中、デザインだけでなく多種多様な美術や音楽などにも触れていく中で、徐々に自分にとって「物事を本質的に思考していく」という軸が大事になっていました。さらに子どもの頃の記憶を辿ると、祖父が盆栽をしていて、祖母は書を嗜みつつ盆栽鉢を手がける鉢作家だったこともあり、余白や本質を大切に扱う美意識や感性がとても身近にある環境で育ちました。ミニマルで余白が存在するからこそ、私たちはその場に本質的な力動を託せると思うんです。
— 美しいものに囲まれることで次第に知見も感覚も蓄積されていったのですね
作品にとって美しさは大切な要素の一つだと思いますが、気をつけたい点として、私は単に作品の外見が美しいことには、全く重きを置いていません。外見が華やかで美しいものほど一度立ち止まって疑った方が良いと思っています。表層的な美しさは、内容の怖さや空虚さを隠蔽したりごまかしたりできる暴力性も持ち得るので。外見のさらに奥にある、作品や事物が持つ本質的な「美」を何とか見極めたいです。さらに重要なのは、外見や表面を軽視する訳ではなくて、表面と内側を「相互に浸透し合った関係」として捉え直すということです。
— 表面からさらに深いところの本質を突き詰める。デザイナーとしても同じような矜持があるのでしょうか
そうですね。普段のデザインに関するプロジェクトは基本的に依頼主がいて、依頼主が表現すべきコミュニケーションの実体化に向けて、視覚芸術という技術を用いながら伴走します。デザインする対象の本質的な部分をさっと掬い取って、出来るだけ純度の高い状態でそのまま差し出すような作り方が理想的です。何か印刷物を制作する際は、その肉体となる紙が本来持っているテクスチャーや色味などの「物質としての豊穣さ」を最大限感じ取って活かせるように、内容と呼応させながら造形します。紙も「生」を持つ存在として繊細に扱いたいので、あえて肉体という言葉を使いました。私の場合、実際に手を動かして作り始める前に、いかに内容のエッセンスを掬い取るかが重要です。
— デザインにおいて具体的にどういった背景やプロセスがあるのでしょうか
例えば、こちらは私が装幀を担当した『美学のプラクティス』（星野太＝著、水声社）という書籍です。本書は、「崇高」「関係」「生命」という三つのテーマからなり、学問領域として絶えず宙吊りにされてきた美学の営為を問い直す、ひとつの実践の記録としてまとめられています。あとがきには、「ひとつの中間報告のようなもの」という記述もあります。私は本書の装幀にあたって、「宙吊り」「空間」「実践」という要素を抽出し、「ホワイトキューブ的な空間の中で、美学的実践としてのテクストが、宙に浮いたようにただ記録されている」という構造を目指しました。装飾的な要素は極力排することで、造形的な決定を宙吊りで曖昧な状態にし、様々なディテールを持つ白い資材と、著者のテクストが持つ精緻で誠実なテクスチャーとを同期させながら造本しています。
— なるほど。宇平さんのデザインは神社の鳥居を潜るような、思わず中を覗いてみたいと思わせる動線のデザインが非常に巧みだと感じます
神社の鳥居という表現は確かにそうですね。こちらの『Cosmos of Silence』（ORDINARY BOOKS）という私の作品集では、まさに「神社の鳥居をくぐるような感覚になりますね」というコメントを頂いたことがあります。表紙から2ページ、3ページと捲っても真っ白な画面が続くのですが、書名にある「静けさの宇宙（Cosmos of Silence）」への空間的な導入として設計しています。一方で、こうした真っ白な装いには一定の緊張感が生じますよね。背筋が伸びて清らかな気持ちになる反面、場合によってはこわばらせてしまう逆効果もあると思います。近年は、軽やかさや穏やかさのバランスも併せ持つ「やさしい緊張感」を纏えたらという気持ちです。
— 広がりを持ったデザイン論をお持ちの一方で、最近ではアートにも活動の幅を広げています
私の全ての制作において、通底している感覚をあえて端的に述べるとしたら「本質の抱擁」でしょうか。「あらゆる存在の本質を、ありのまま直に捉えて祝福したい」という感覚が基層にあります。「意味や観念から離れて、目の前の事象を直に捉える」ということは本当に難しいですし、「それは実際にはどういう経験になるのか」という問いと常に関わり続けることでもあります。物事をどう認識し経験するかということを、日々自分で揺さぶっていきたくて。そうした実践をさらに発展させたいと思った時に、自然と美術の制作にも広がりました。
— 作品では毎回1つの対象物について言及されていますね、いくつか作品の詳細を教えていただけますでしょうか
- ガラス / Glass -
光学ガラスを用いた立体作品《Optical Glass》です。ガラスを叩いて造形する際に、どう割れるかを人間が完全にはコントロールできないので、ガラスが割れたいように割れていき、不揃いで揺らぎを持った生々しいフォルムが生成されます。私は以前から「空間」それ自体に非常に魅力を感じていて。私たちが生きられるのは、空間が包んでくれているからこそ。視認できない微細な粒子が漂っていて呼吸することができたり、場の空気を読むという表現があるように、そこには読まれる情報があったりもする。ガラスは、明らかにそこに存在しているのに完全に透過しているというなかなか理解し難い存在で、言い方を変えれば、存在と非存在との間にある「中間的なもの」と捉えられるのではないかと。さらに、光学ガラスはカメラのレンズにも使用される素材ですが、自らを貫通させながら内側には周辺の像を写している。つまり、ガラスを見ているようで周辺の空間を見ているとも言えます。空間が肉体化したようにも見えてきますね。
- 肌 / Skin -
連作《Skin》では、人の皮膚が持つ繊細で複雑な肌理が高精細のグレースケール写真で表現され、実際の皮膚と見紛うほどの生々しい物質感を伴って提示されます。私は人間として肉体が与えられていて、触覚を通して何かを知覚できるということをとても大切にしています。繊細な皮膚感覚を通じて誰かや何かと触れ合えることって、本当に尊いことだと思うんです。皺や産毛などは生まれてくる時に自分で設計したわけではなく、いつの間にか存在し、自分の意思とは関係なく常に自律的に代謝し続けている。そうしたことを考えつつ、最も身近なところに宇宙的な揺らぎや奥行きを持った自然物があることに気づいたのが制作のきっかけです。
— 新しく作り出すのではなく既に存在する事物の本質を顕在化させているのですね
本質を求めていることは確かです。そういえば、こちらのメディアの名称は「cite（シテ）」ですよね。能におけるシテ方である俳優という言葉について、古事記や日本書記には俳優（わざおぎ）として記述があり、神意（わざ）を招く（おぐ）という意味だったようです。自然をはじめ人ならざる存在の声を代弁する「媒介者」としての意識が芸術の源流にはありますよね。私の制作でも、そのような意識が強いと思います。ただし、ある一つの本質や原理に到達しているように振る舞う作品は傲慢だと思うので、常に思考し続けることが重要です。
— これからさらに突き詰めていきたいことはありますか
今後は「時間の生」や「空間の生」など、これまで生を保有するとあまり捉えられてこなかった対象の生を考えてみたいです。今この瞬間にも時間が常に生成され続けていて、空間が包んでくれているからこそ、私たちはこうして存在できているということ自体が、極めて神秘的で美しいと思いませんか。また、時間や空間にも多様な感性があるはずで、私は、穏やかさや優しさを知覚できるような経験を扱っていきたいです。昨今の過剰で忙しい感性が溢れている状況に抗いたくて。もしかしたら、ほとんど物理的な形を持たないような作品形態になっていくかもしれませんね。
— 最後に、宇平さんはなぜ創作活動をしているのですか
人として心を磨き続けたいからです。私にとって制作は、これまで誰も扱ってこなかったような特殊な問いと関わり、繊細な感性と穏やかな時間によって、新たな視座や価値観を導入していこうとする行為です。微細で静かな変容を積み重ねていく行為だと言い換えてもいい。私は制作と交流を通じて、日々自らの心を磨き、生の在り方を編み直していける可能性を信じたいです。このように、私自身の「生」を全うすることと「制作」は密接に関わっています。
Goshi Uhira (Artist/Designer) “Embracing True Essences”
L’air, or perhaps an indication.
There are never-before-seen forms that establish our world drifting within the soft massless coat that engulfs this world.
It is perhaps something the artist senses.
As if taking a careful look at ku (space),
the artist simply surrenders himself to the space
and collects the delicate essences that are prepared to be defined.
We are to witness
never-before-seen aesthetics expressed
through the artist’s intuition.
— Your works, whether they be for art or design, seem to consistently be minimal in aesthetic.
I majored in typography and editorial design during my time in university. Since then, I had always been fascinated in the works of Emil Ruder and Josef Muller-Brockmann that excluded the decorative elements of design. During my time as a student, as I became exposed to various forms of art and music, I had gradually found that “perceiving things by their true nature” was relevant to my style. Furthermore, as a child, I was raised in an environment full of aesthetics and sensibilities that cherished the true nature of things as well as yohaku (perceptual empty spaces) since my grandfather had been fond of bonsai and my grandmother, while enjoying calligraphy, was a potter who made bonsai pots. I believe we are capable of applying a certain form of true dynamism in spaces since minimal aspects and yohaku exist.
— So, you had gradually gained your knowledge and sensibility by being surrounded by beautiful items.
I believe beauty is an important element that constitutes a work of art, but a crucial point I keep in mind is to not create my works with an emphasis on visual beauty. I think it is important to have doubts about anything that is immediately beautiful and luxurious. I say so because I believe superficial beauty can conceal the horrors and hollowness of the works’ true nature. I seek to determine the true nature of the beauty hidden deep under the surface of various elements including works of art. What is crucial is to not simply neglect the exterior aspects of things but to reinterpret exterior and interior aspects as a relationship that permeates through each other.
— So, you probe into the true nature of what dwells in the depth of things. Do you take a similar approach as a designer as well?
In fact, I do. There is always a client for all my design related projects. In order to materialize what my clients are to communicate, I apply visual art techniques to my work. It is desirable that I promptly grasp the true nature of the product I am to design and provide a piece that is in its purest state. When I create printed works, I create them so that they resonate with the content in order to fully make use of the abundance in textures and colors of the paper, which can also be considered as the flesh of the work, they are printed on. Since I want to use paper as a substance with a soul, I purposefully used the term flesh to describe it. In my case, it is crucial that I harvest the essence of the content as much as possible before I start to create my work.
— Please tell us about the background and processes you apply to your design work.
For example, this book “Practicing Aesthetics” (by Futoshi Hoshino, Suiseisha) is a book I designed. The 3 major themes of this book are “sublimity,” “relationships,” and “life.” The book questions the nature of aesthetics, which is an element that has always been the subject of debate within the field of academics. In the book’s final notes, the author defines aesthetics as a type of interim report. When I designed the book, I extracted elements such as “aerial suspension,” “space,” and “practice,” and aimed to create a composition that records aesthetic practice as text in a white cube like space. By excluding decorative elements as much as possible, I created a state in which figurative definitions remained suspended in an ambiguous way, and designed the book by synchronizing the white material, which possesses a diverse range of details, with the elaborate and sincere text written by the author.
— I see. I believe that you are highly adept in creating designs with an essence that makes their viewers want to delve deeper intuitively. I feel it is similar to how people pass through the torii gates of shrines.
I agree that the products of my method are similar to what people feel when they pass through torii gates. I’ve had people tell me that my “Cosmos of Silence” (ORDINARY BOOKS) series gives them the impression that they had passed through a torii gate. The first 3 pages of the book are plain white pages. I designed them like this to express the voidness incorporated in the book’s title. On the other hand, this kind of white design emits a sense of unease. I believe that while this style offers a sense of purity, it can also provide a counter effect that makes its viewer feel strained. Currently, I am aiming to create works that can offer a pleasant kind of tension that has the attributes of both airiness and calmness.
— While you have a broad design theory, you seem to be expanding your activities as an artist.
If I were to describe my central theme for my work, I would have to say that I always embrace the true essence of things. As a foundation for my ideas, I want to embrace and celebrate the true nature of various elements. It is extremely difficult to directly understand phenomena while excluding their meanings and concepts. I believe it is crucial to continue pursuing what kind of experience the phenomena may bring. I want to continue being stimulated by how I recognize and experience various things. By hoping to expand these practices, I was naturally capable of applying these sensibilities into my artwork.
— You tend to refer to a single article for each of your work. Can you give us details on some of your pieces?
《Optical Glass》 is a sculpture I created using optical glass. When you create glass sculptures, the sculptor is unable to precisely control how the glass breaks. Since glass breaks naturally, an extremely raw and uneven swelling form is generated. I have always been fascinated by the aspect of “space.” We are only capable of living because this “space” embraces us. We are capable of breathing because of the fine particles we can’t perceive. As the saying “reading the room” goes, the space that embraces us is full of non-visible information that can only be perceived. Glass is a completely transparent material that exists physically. In other words, I believe it is a material that stands in between actual existence and non-existence. Furthermore, optical glass is a material that is used for camera lenses. It allows information to penetrate while projecting it’s surrounding images. It basically means that we are witnessing the space beyond the glass itself. You can even say that the space is being manifested as a physical object.
My 《Skin》 series are high-definition grayscale photographs that display the fine and complex texture of human skin. I created them with a raw sense of substance that makes the work seem as if they are actually skin. Being born a human being, I cherish our ability to sense various things through touch. I truly find it precious that we are capable of feeling other people and things through our delicate cutaneous senses. For example, wrinkles and lanugo hair are present on our skin naturally. They are not there by design and develop independently. Through this phenomenon, I realized that there were natural materials with cosmical fluctuations and immense depth in the most familiar of places.
— So, instead of creating from scratch, you manifest the true nature of things that already exist.
It is true that I am in pursuit of the true nature of things. By the way, I see that you’ve titled your articles “cite.” The term shitekata, which is a term for the main actors of Noh performances, is described as wazaogi (actor) in the Kojiki (Records of Ancient Matters) as well as the Nihon Shoki (The Chronicles of Japan) and means to beckon divine will. When speaking of art, the artist is basically an instrument that speaks on behalf of non-human phenomena such as nature. I am very conscious of this when I create my work. However, I believe that works that act as if they’ve reached the true essences and fundamental truths of things are extremely arrogant, and therefore find it crucial to continue thinking about these matters.
— Are there any other themes you would like to investigate from now on?
I’d like to contemplate over subjects, that haven’t been thought to possess souls, such as time and space. Don’t you think it’s mystical and beautiful to simply be capable of existing, enveloped in space, as time continues to be generated? To add to that, I believe time and space also have diverse sensibilities, and I would like to harness experiences that make essences such as calmness and kindness perceivable. I aim to discover a counter for the excessive and overloaded state of our sensibilities that is common in our contemporary world. Maybe my work would take on a form that is only half physical.
— Lastly, may we ask what motivates you to continue your creative activities?
It is because I would like to continue polishing my soul. For me, creation is an act in which I tinker with unique subjects that have never before been touched on. It is an act in which I infuse new perspectives and values by applying fine sensibilities as well as tranquil time to my craft. You can also say that it is an act in which I layer fine and tranquil changes over the other. Through my interactions with my work, I polish my soul on a daily basis, with hopes to discover a means to reweave the concept of life. In this way, my aim to fulfill my anima is intimately related to my production.
Profile
Goshi Uhira / 宇平 剛史
現代美術家・デザイナー。1988年福岡県福岡市生まれ。東京都立大学システムデザイン学部インダストリアルアートコース修了。人の皮膚がもつ無限の肌理を高精細のグレースケール写真で提示する連作《Skin》や、数千個のガラスの球体を用いたインスタレーション作品《Glass Balls》などを発表している。2023年にN&A Art SITEで個展「事物の生」、2021年に横浜市民ギャラリーで個展「Unknown Skin」、2020年にNADiff a/p/a/r/tで「呼吸する書物｜Breathing Books」を開催。2020年に3331 Arts Chiyodaで開催された3331 Art Fairに参加し、小池一子賞を受賞。装幀を手がけた主な書籍に、星野太『美学のプラクティス』(水声社、2021年)、沢山遼『絵画の力学』(書肆侃侃房、2020年)、荒川徹『ドナルド・ジャッド』 (水声社、2019年)、横田大輔『Vertigo』(Newfave、2014年) などがある。2022年にはこれまでのアートワークとデザインワークで構成した初の作品集『Cosmos of Silence』(ORDINARY BOOKS) を出版。
Contemporary artist and designer. Born in Fukuoka City, Fukuoka Prefecture in 1988. Graduated from the Industrial Art Course of the System Design Department at Tokyo Metropolitan University. Presented works such as his Skin series, that displays the infinite textures of the human skin in high-definition grayscale photos, and Glass Balls, which is composed of a several thousand glass spheres. Held his solo exhibition “Lives of Things” at N&A Art SITE in 2023, “Unknown Skin” at the Yokohama Civic Art Gallery in 2021, and “Breathing Books” at NADiff a/p/a/r/t in 2020. Participated in the 3331 Art Fair held in 3331 Arts Chiyoda in 2020 and won the Kazuko Koike Prize. He has provided designs for books such as “Practicing Aesthetics” by Futoshi Hoshino (Suiseisha, 2021), “Dynamics of Painting” by Ryo Sawayama (Shoshikankanbou, 2020), “Donald Judd: Landscape and Minimalism” by Toru Arakawa (Suiseisha, 2019), and “Vertigo” by Daisuke Yokota (Newfave, 2014) among others. In 2022, he published “Cosmos of Silence” (ORDINARY BOOKS) which was his first collection of works that consists of his various art works and design works he had presented up to that point.
https://www.instagram.com/goshiuhira/
【共同企画】
株式会社 無茶苦茶（Mucha-Kucha Inc.）
"Respect and Go Beyond"をミッションに日本の総合芸術である「茶の湯」
With the mission of "Respect and Go Beyond," the company is developing an art production business that raises the spirituality and aesthetics of the tea ceremony by "reinterpreting" the comprehensive Japanese art of "chanoyu" by crossing it with various domains such as technology and street culture.
