「この陶芸は生きている」
中井の作品を前に抱いた第一印象だ。世間一般で「陶芸」と認識されているそのものとはかけ離れた様相の今にも動き出しそうな蠢く“何か”。
日常生活と隣り合わせで育まれた土の芸術はアートである以前にプロダクトである必要があった。何かを受け止めるための器としての機能を果たすには頑丈でなくてはならない。傷や穴があってはならない。そのためには不恰好でも不規則でも構わない。しかし不完全だけは容認されないのだ。
しかし中井の作品は違った。人間と土と火の三重奏が織りなす調べはジャズのように予定調和のない1回限りの魂と魂のセッションを繰り返し、本人も予想がつかない形で生まれ落ちる。そこには穴もあれば予想もしなかった大きな裂け目もある。
完全か不完全か。使いやすいか使いにくいか。二者択一なのではない。
傷があっていい、曲がっていていい。ありのままこそが最も陶芸らしい姿なのだから。
前半 "既存概念を覆すニュースタイルの確立"
— 幼少期から陶芸に興味があったのでしょうか
父が建築士だったこともあり、ものづくりの環境は身近にありましたが、陶芸やアートが好きだという自覚は全くなかったです。その後も特に美術系の学校に進学することもなく、大学は教育学部で心理学を専攻しました。心理学に興味を持ったのは、例えば人が何か感情を動かされたときに「何でこうした思いになるのだろう」とか、傷つく言葉を発した時に「何でこういうことを言っちゃうんだろう」など、気持ちの動きを考えることが好きで、当時はカウンセラーの職に向いているのかもなと思っていました。なのでアートは全く異なる分野であり、ましてや自分ができるなんてという気持ちでした。
1つの転機は大学時代の海外留学。オーストラリアに1年留学した時に周りの友人がフィルムメイキングやクリエイティブライティングなどの創作活動をしていて、言語が通じなくても彼ら彼女らはすごい表現をしていると肌で感じました。そこから沸々と何かものづくりをしたい気持ちが湧き上がり、その後に留学したデンマークでフォルケホイスコーレという美術学校に入学しました。学校で選んだのが陶芸とガラスのコースで、陶芸との初めての出会いは海外でした。
— 美術学校ではどのような勉強をされていたのですか

半年間ということもあり基礎的な内容がメインでした。アイデアを出し合ってディスカッションをしたり、陶芸だと少し鋳込みをやるとか。デザイン的な要素が強かったかもしれません。中でも特に印象的だったのがガラスを使ったエクスペリメンタルグラスワークという授業でした。内容は美しいものを作るというより「何か新しいことをやってみる」がテーマ。例えば吹きガラスのチューブに空気を入れて膨らまして割るとか、ガラスを2階から落としてみるとか。この授業を通してものへの「考え方」と「美しさ」が合致する感覚がとても心地よい体験ができました。そして日本に帰国し本格的に陶芸の勉強を始めることにしました。
— 海外ではなく日本で陶芸を学ぼうと思った理由は何かあったのでしょうか
ひとりの日本人として活動をしていく時に、日本のことを何も知らないと感じていたことが大きな理由です。美術学校での実体験から作家として挑戦したいと心に決めた一方で、いち作家として続けていくならどうするべきかと改めて考え直しました。

話が前後するのですが、例えば日本だと原材料である土は作家から引き出される感情や精神性のようなものが反映されやすい素材という考えがある一方で、デンマークだと何か表現するためのツールとして捉える側面が強く、アートというよりデザインという考え方があるのかなと感じています。そうした国による考え方の違いという点でも私は日本人でかつ陶芸と言えば日本。自らのバックグラウンドやルーツを最大限に活かしたクリエイションをする上でも日本で陶芸を学びたいと思いました。
— 陶芸を始めてから現在のスタイルに至るまでにどのような経緯があったのでしょうか
当初は陶芸家は日用品としての器を作って売る、という暮らしをするものだと思っていました。でも制作を続ける過程で、例えば食器を作ろうと思って釉薬を調合した時にもう食器としては使えないけれど質感がとてもかっこいい表情をしていたり、焼いてみたら思いもよらない不思議な形状に変わった光景を目の当たりにしました。実用性という点では不十分かもしれない。でもその佇まいこそが“焼き物ならではの美しい姿”であると感じ、私が突き詰めたい作品はこれだと思いました。

「焼き」という現象の面白さは初期の頃から感じていた一方で、不意に“できてしまった”表現もたくさんあります。それをアートピースと呼ぶには浅はかで、現象を引き起こす何らかの新しい技法や意図がないと作品として成立しないと考えました。例えば手捻りの際に薄く伸ばす事で、熱での変化を起こしやすくしようとか、重力に逆らうような動きを取り入れてみようとか。とにかくトライアンドエラーで色々な事を試しました。試行錯誤を積み重ねる中で素材一つを選ぶ時にも「なぜ私はこの土を選んだのか」を考える。その時は理論から入るのではなく、かっこいいとか、なんか好きとか、まずは感覚を優先します。そこから「好きと思ったのは何故なのだろう」と改めて素材を見つめ直す。そこで初めてこの素材は何からできているのか、白磁ってどういうものだっけと対象物の印象を深堀りしながら過去の経験や新しい見識と紐付けて理論として整理します。目には見えない感覚に対して仮説を立てながら答えを導き出すというプロセスが私の制作スタイルであり、これは大学時代に心理学で培った考え方でもあります。
“A New Type of Ceramics Through an Accumulated Thoughts” — Namika Nakai (Ceramic Artist)
Establishing a new style to challenge existing values
— Were you interested in ceramics since you were a child?
Since my father was an architect, I had always been in a creative environment. However, I’d never thought I’d be interested in ceramics or art. Even as a student, I didn’t attend art school and instead went on to major in psychology during my years at university. The reason I was interested in psychology was because I was fond of thinking about the way emotions shift in various circumstances, such as how people wonder why they felt certain ways when they felt moved by something or reflect on their actions when they had said something harsh. At the time, I was interested in becoming a counselor, so I was studying to pursue a career in a field very distant from art. Back, then I’d never thought I’d had the ability to become an artist.
One of my greatest turning points came when I traveled abroad to study for 1 year in Australia. There, some of my friends were into film-making and creative writing, and though we couldn’t communicate well lingually, I could sense that they were creating marvelous things. As I interacted with my peers, I had started to feel an urge to begin creating thins myself, and later, I went on to study art at a Danish folk high school. There, I chose to take ceramics and glasswork courses. Therefore, my first encounter with ceramics was while I was overseas.
— What did you study while in art school?
I was only there for 6 months, so I was only able to learn basic things. We would have discussions where we shared our ideas and in terms of ceramics, I had some experience in casting. I felt the courses had a strong design-based feel to them. What impressed me the most was a course that introduced me to experimental glasswork. Rather than teaching us to create something beautiful, we were taught to try something new. For example, we would put air in the tube for blown glass and watch the glass explode or even drop the glass from the second floor of a building. Through these courses, I felt that my mind frame and sense of beauty had merged, leaving me with a great sense of satisfaction. This is where I decided I would seriously pursue an education in ceramics when I returned to Japan.
— Why did you decide to study ceramics in Japan and not overseas?
One of the main reasons was because I had not known much about Japan. I felt it would seem odd, that if I were to pursue a career in art as a Japanese national, to not know much about the country I came from. While I made up my mind to become an artist through my experiences at art school, I had to rethink what I was required to do to maintain my activities as one.
Returning to what we were talking about, for example, in Japan, while it is said that clay is an ingredient that easily reflects the emotions and spiritual natures of the artist, in Denmark, clay was thought of more as a tool to shape expressions. Through this, I came to understand that the Danish people have more of a design-based approach rather than the art-based approach of the Japanese people. Being Japanese, this realization led me to choose to study ceramics in Japan in order to make full use of my Japanese roots. Moreover, when I think of ceramics, Japan was the most obvious choice for me.
— What kind of process did you go through to establish your current style?
Initially, I thought a ceramic artist would make a living, simply by creating ceramic pieces and selling them. However, as I continued to create more and more, I began to discover the true beauty of ceramicware. For example, there were moments that produced unexpected results. Even if I had attempted to create simple tableware, as I mixed the glaze, I would end up with pieces that were unfit for tableware but were extremely beautiful in texture. Some pieces would also end up in odd shapes when I baked them. This led me to discover a style I wanted to pursue.
Although I was familiar with the fun factor of the baking phenomenon, there were also several expressions that came about by accident. However, it felt superficial to present them as actual art pieces, and I felt new techniques and intentions that could induce special phenomena were required to establish a work of art. From there, through trial-and-error, I would test various techniques. For example, during the hand-forming stage, I would thin out the clay to have various changes occur when it is baked or apply movement that would make the clay seem as if it was defying gravity. During these trials, I would be conscious on why I chose a certain type of clay for each piece. At this stage, I would prioritize my instincts and choose ones that were simply beautiful or ones that I liked for some reason. From there, I start thinking why I was fascinated by that type of clay by pondering about what the material is originally made of and what white porcelain is to begin with. I then link my experiences with new notions and arrange them into a new concept. My style of production focuses on the process to discover answers by formulating hypotheses for senses that can’t be perceived by the eye. I attained this method through my education in psychology during my years in university.
Profile
Namika Nakai / 中井 波花

1993年北海道札幌市生まれ。多治見市陶磁器意匠研究所修了。陶芸において、ごく当たり前に使われる土と釉薬を、融点の異なる陶芸素材と再解釈しやきものの新しい表現を追求。歪みやひび割れを用いた、力強さと繊細さが共存するアンビバレントな美しさを表現している。
https://www.instagram.com/namika_nakai
Those phenomenon such as clacking, melting and warping are considered as threat for ceramic works but I believe that it is able to represents the ambivalent beauty of strength with delicacy and fragile.
The porcelain clay that has been thinly stretched by hand forming, like the minimum boundary between the inside and the outside. The wrinkle marks that appear on the surface show the environment and process at the time of forming like the stratum. The glaze which has a lower melting point than the porcelain clay, becomes one of the layers and changes the form by firing.
https://www.instagram.com/namika_nakai
【共同企画】
株式会社 無茶苦茶(Mucha-Kucha Inc.)
"Respect and Go Beyond"をミッションに日本の総合芸術である「茶の湯」
With the mission of "Respect and Go Beyond," the company is developing an art production business that raises the spirituality and aesthetics of the tea ceremony by "reinterpreting" the comprehensive Japanese art of "chanoyu" by crossing it with various domains such as technology and street culture.